導語：如何才能寫好一篇西方古典音樂特點，這就需要搜集整理更多的資料和文獻，歡迎閱讀由公務員之家整理的十篇范文，供你借鑒。

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一、把握西方音樂發展主線，抓住教學重點

在開展高中音樂西方古典音樂欣賞教學活動的時候，教師應把握整個西方音樂發展的主線，充分了解西方音樂發展的歷史。西方古典音樂是從巴赫開始，結束于音樂家德彪西。在這大約三百年的歷史中存在著許多偉大的音樂碩果。然而在我國高中音樂的學習過程中是不可能涉及所有西方古典音樂作品的，只能選擇一些更為經典的音樂作品來欣賞。在教師授課的過程中，不僅僅是要讓學生欣賞偉大的音樂作品，還應當在欣賞的過程中引導學生去感悟音樂的魅力，貫穿一些音樂知識進行講解，以此教會學生如何鑒賞音樂作品，從而提高學生的音樂鑒賞水平。在高中音樂西方古典音樂欣賞課堂中，教師應當先向學生大概地介紹一下西方音樂發展的歷史，讓學生能夠把握西方音樂發展的主線，明確其在不同時期的發展特點。將音樂教材中的內容作為教學重點，并進行適當的延伸，以開闊學生的視野。

二、將高中音樂中西方古典音樂欣賞教學與其他學科相結合

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【關鍵詞】古典音樂 嚴肅音樂 文學賞析 舞蹈賞析 繪畫賞析

本論文為陜西省教育科學“十一五”規劃課題，課題編號sgh10171。課題名稱：高師聲樂課程適應中小學音樂教育改革的研究。

古典音樂泛指西洋古典音樂，即中世界歐洲主流文化背景下創作的有別于通俗音樂和民間音樂的一種承載厚重、內涵豐富的音樂形式。而現今的樂界，古典音樂多用來特指1750-1820年這段時間的維也納古典樂派所創作出來的歐洲主流音樂，是一個獨立的音樂流派，藝術手法考究。

古典音樂，在樂界，因其主要體現理性的情感表達方式，而被更多的學者認為是所謂的“嚴肅音樂”。[1]在我國，80后、90后這些從出身就帶有強烈自由主義色彩的一代，更多地把個人喜好放在了情感宣泄自由的浪漫主義音樂上，逐步遠離了帶有強烈“嚴肅”色彩的古典音樂。因此，在自由主義蔓延的當代，如何正確引導和培養年輕的音樂人對古典音樂的興趣，也就成了音樂教育中一個急需解決的教學難題。[2]

多元化的教學方式往往因其耳目一新的授課方式，而更容易被學生所關注和接受。通過對古典音樂深厚的文化背景的研究，本人采用以下的教學方式，取得了良好的授課效果。

在古典音樂的教學課程中引入歐洲古典文學賞析課程

1750-1820年的歐洲，恰逢古典主義文學和啟蒙文學盛行的時代，從莎士比亞、塞萬提斯到巴洛克文學的興起，無不體現當時新文化新思潮的改革，隨即出現了昌盛一時的古典主義文學，興起于當時文化科技繁榮的法國，隨后擴展到歐洲其他國家。古典主義文學思潮是新興的資產階級和當時封建貴族在政治上妥協的產物。它和古典音樂的特點類似，有著鮮明的時代特色。

因此，在課堂教學中，加入古典文學課程賞析，通過對時代背景的理解，對當時文化意識形態的理解，更容易加深學生對音樂旋律背后詮釋的文化的融會貫通。往往可以通過鼓勵學生用自己的想象力復原文學作品中表達的大時代，同時鼓勵學生用自己對于音樂的理解力通過自己獨有的方式呈現當時的文學作品以及那個時代的特征，再對比古典音樂的表現形式，不僅可以激發自我的創作能力，同時通過對比和創作，更有效地吸收了古典音樂的精華，且達到了學以致用的效果。

在古典音樂的教學課程中引入歐洲古典舞蹈賞析課程

舞蹈是在三度空間內用身體為語言的一種交流方式，是用人體的運動來體現的一種藝術形式。而且舞蹈往往借助音樂伴奏，用形體的動作更加豐富地詮釋音樂的力量。舞蹈賞析是通過觀賞舞蹈時，對舞蹈作品的感受、體驗以及理解思考的整個過程，其本質上是一種認識活動同時伴有自我思維的升華過程。舞蹈作品很直接很形象地反映當時的社會生活、人物的情感特點、舞者對于生活的自我審美，是一種全方位多人共同參與表達的藝術形態。

在意大利文藝復興時代，芭蕾作為歐洲古典舞蹈的經典流行并逐漸職業化。芭蕾在發展過程中有嚴格的規范和結構形式，要求女演員穿特制的足尖鞋立起用腳尖起舞。在古典芭蕾舞劇的賞析課程上，我們要求學生盡量重現18世紀的場景。我們的課程設計上，盡量模擬18世紀的歐洲劇場，前10分鐘，學生通過閱讀相關舞劇簡介，對接下來賞析的舞劇有個最基本的了解，接著通過對《睡美人》、《胡桃夾子》、《天鵝湖》等經典芭蕾舞的賞析，有一個全面直觀豐富的體驗。最后，在課程結束前通過簡短的討論和提問來對比古典舞蹈配樂和整個舞臺效果與真實的古典音樂之間的差異，理解所謂的歐洲現實生活和歐洲當時理想的意識形態之間的差異，從而輕松地理解所謂古典音樂嚴肅背后的理想主義色彩，通過討論和提問的形式來達到每個學生的自我理解消化，且所提問題不當堂解決，留為下一節課程的授課中心，學生和老師共同準備下一堂的教學內容。

在古典音樂的教學課程中引入繪畫賞析課程

在中世紀的歐洲，人們常常將繪畫稱為“猴子的藝術”，指的是人類如同猴子一樣通過繪畫的方式模仿人類活動，因此繪畫是一種臨摹自然的藝術，因為每個人對自然的理解有偏差也有自我

的獨特性，繪畫里面通過夾雜了畫者不同的自我風格，而體現不同的意識流。

在教學中，我們主要加入對理性主義的“拉斐爾前派”作品的賞析，因為這個學派往往取材于神話、宗教傳說以及一些文學作品，通過畫者的理解和幻想而表達出來的，如《世界之光》、《盲女》、《基督家庭》等代表作。通過對這些作品的賞析，不但可以通過作品了解到當時西方很多的神話、宗教故事等文化起源的故事，同時還可以了解到18世紀歐洲的畫家對于文化起源的理解和自我剖析，可以更全面地理解當時文化時代的意義，也理解到所謂“嚴肅”音樂在那種特定的時代大背景下為何“嚴肅”的原因。[3]

只要音樂教育者肯下功夫，結合時代特色，采用多元化教學，古典音樂也必將沖破“嚴肅”音樂的局限性，被年輕的音樂人和更多的音樂愛好者所喜愛和接受。

參考文獻：

[1]宋莉莉.西方音樂簡史與欣賞[m].濟南：山東大學出版社，2007.

[2]周佳毅.淺談中國古典音樂現狀及發展前景[j].聲樂舞蹈，2012，09：119.

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爵士樂起源于非洲，但又有別于非洲音樂，它的發祥地是美國南部路易斯安那州新奧爾良市，由被販賣到美國的黑奴們吟唱的黑人民歌演變而來。爵士樂的靈魂中流淌著與生俱來的草根性和人文關懷，這是它的出身決定的。二十世紀初期，爵士樂是新奧爾良一帶民間音樂、流行音樂、古典音樂的融合。它的形成有兩方面的元素，一是以美國黑人在音樂上的創造性的貢獻Ragtime和Blues為基礎；二是一些當時的流行音樂、進行曲、四對舞曲quadrilles等等已有的音樂形式為框架。發展到今天，經過上百年的傳承和變遷，爵士樂繁衍出很多種類別，且每一種形式都以自己的特色獨立存在，不可取代。作為一種最有分量的藝術種類，突破地域、種族、國家的界限，成為一種世界性的音樂表現形式。

爵士樂的種類有藍調(Blues)、繁音拍子(Ragtime)、新奧爾良傳統爵士樂(New Orleans Traditional Jazz)、ODJB (The Original Dixieland Jazz Band)、狄西蘭爵士樂(Dixieland)、大樂團(Big Band)、搖擺樂(Swing)、比波普(Bebop or Bop)、酷派爵士樂(Cool Jazz)、自由爵士樂(Free Jazz)、搖滾爵士樂與融合爵士樂(Jazz-Rock & Fusion)、新咆哮樂與后現代咆哮樂(Neo-Bop & Post-Modern Bop)、波薩諾瓦（Bossa Nova）、方克爵士（Jazz Funk）、后波譜（Post-modern Bop）、酸爵士（Acid Jazz）、現代爵士（Modern Jazz）、靈魂爵士（soul Jazz）、西海岸爵士（ West coast）、融合爵士（Fusion）、拉丁爵士（Latin Jazz)等。

爵士樂的特點表現在以下幾方面：

1）即興演奏或者是演唱。

2）旋律上降三音、降五音和降七音使用頻繁。

3）較多使用切分節奏和三連音，輕重音顛倒。

4）節奏多為雙拍，通常為4/4拍，也有部分是2/4拍。

5）和弦常用主和弦、屬和弦和下屬和弦。

6）獨特的音色運用

爵士樂在百年的流轉中，吸收了古典音樂、民族音樂等諸多音樂元素，從早期的黑人風格中脫胎換骨，逐漸形成傳遞內容多樣，表現形式不同多種風格，曲風華麗，節奏鮮明。如此眾多的爵士風格活躍在音樂舞臺上，理應帶來強大的生命力，然而，出身低微的爵士樂，如今卻變得有些曲高和寡，是因為歲月沉淀下來的音樂能量抬高了爵士樂的身價，還是音樂愛好者的誤會？“金領聽爵士，白領聽交響，藍領聽搖滾。”這樣的界定一不小心就把爵士樂劃分到了主流音樂之外，爵士樂變成一門藝術音樂，其代表的音樂高度使廣大音樂愛好者對爵士樂望而卻步，成了少數樂迷的游戲。爵士樂，作為邊緣音樂文化徘徊在城市邊緣。

爵士樂除了自身固有的特點外，與其它音樂有著很多共同的特征。畢竟。爵士樂產生之初就是個混血兒。早期的爵士樂存在于非洲和美國黑人民間音樂之中，也同樣存在于古典音樂和當時的流行音樂當中。爵士樂比古典音樂俗一點點，比流行音樂雅一點點，或許，這一獨特性，可以在古典音樂和流行音樂中搭起一座橋梁，讓古典音樂和流行音樂可以找到一個平衡點，使古典音樂和流行音樂不再涇渭分明，而以一種雅俗共賞的嶄新音樂形式出現在我們面前？畢竟無論我們怎么嚴格的劃分音樂的風格，首先它都是音樂。當爵士樂不再華麗麗的高不可攀，變得和藹可親，起碼能為更多的音樂愛好者所欣賞并喜愛，才不違背爵士樂產生的初衷，才是爵士樂愛好者的福音。

從爵士樂的種類中就可以看出，爵士樂和流行音樂并不是水火不相容的，流行音樂中較復雜的或者較為反傳統的和弦構置現象就是來源于爵士樂。爵士樂和弦的構置主要通過引申音來實現緊張、密集、豐滿的和弦音響色彩。在流行音樂中的反映就是目前大部分具有一定黑人音樂元素的音樂作品中主和弦的構置一定少不了九音，寫成爵士和弦標記就是Iadd9，小調作品就是Im add9或者VIm add9。例如陶匆皇妝咴禱的作品《搖籃曲》。這首歌是爵士鋼琴伴奏的，和弦構置十分之復雜，其中主和弦就是用的省掉三音的九音旋律位置。流行音樂的和弦構置現象中還有一個比較鮮明的特點出現在屬和弦的位置上，以大調作品為多見。傳統屬和弦用的是V，歐洲經典音樂作品常常用V7。而爵士和聲里面常用的是省掉三音和五音，或者只剩掉三音的V11。和弦構置特點在R&B音樂的作品中很常見，陶礎⑼趿宏、周杰倫等的作品中都常常出現。

此外還有和聲，爵士樂的和聲比流行音樂的和聲要復雜得多，以七和弦為基礎，并且大量的運用擴展音和替代和弦。這種Blues結構的作品，流行音樂里也不少，比方王力宏的《Take Your Time》、李玟的《過完冬季》、陶吹摹鍛春風》。

流行音樂在比較少的一部分作品中還體現了一些爵士樂風格的離調進行，這大大提高了這部分流行音樂作品的技術含量。

香港是中國最早受到爵士樂熏陶的地區之一，1930年左右，香港就有爵士樂主題餐廳、酒吧，到了上世紀50、60年代，爵士樂酒吧更是遍地開花，并且已經擁有大量本地的擁躉。1980年代，香港電影突飛猛進，風頭無兩，大量的經典電影配樂均是爵士樂。盡管如此，在流行音樂領域，由于諸多因素，爵士樂依然沒能占據主流音樂的位置。

2010年，張學友與眾多西方音樂家合作發行了第一張粵語爵士樂專輯《Private Corner》.唱片一經推出便占據當年最暢銷的香港本土唱片寶座，熱浪波及臺灣以及中國內地。專輯中的唯一的英文歌曲《Everyday Is Christmas》亦在西方市場大熱，受到西方樂迷追捧。

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［關鍵詞］音樂教育;中國傳統文化;古典音樂

一、對于我國傳統的古典音樂簡單概述

隨著社會的不斷發展和進步，人們的日常生活和工作節奏也將加快，越來越多的人感到了內心的空虛與無助，開始尋求心靈的凈土。而音樂，因為其自身凈化心靈的作用，受到越來越多的追捧。如今，人們在一天的忙碌之后，選擇一本好書、一杯好茶、一首舒緩的音樂，讓自己的心靈小憩片刻，然后背起行囊再度出發。然而，正是因為人們對于音樂的不同需求，所以在我國的市場上也出現了大量不同種類的音樂類型，它們的風格迥異、各具特色［1］。但我國的傳統音樂文化卻因“商聲寥亮羽聲苦，江天寂歷江楓秋”，曲高和寡無人識，漸漸地淡出了人們的生活。現代人喜歡用一種澎湃激情的曲風，去表達自己的內心世界，表達他們對生活的一種張揚不羈的態度。可是我國傳統音樂文化卻猶如一股清流，你在意不在意，它都在那里，不疾不徐，緩緩訴說著它的故事，自有一番風骨韻味。它像一首從沒有停止吟唱的小詩，洗盡鉛華，從五千年文明中走出，也必定會繼續走下去。我國傳統的古典音樂主要是結合我國各個民族所具有的特色，采用各民族特有的固定形式所創造出來的一種具有代表性的音樂。我國的傳統古典音樂猶如一首行走的史詩，傳達了同時代的風土人情和國家要事，它作為我國傳統文明中光輝耀眼的明珠，對于我國文明的傳承和弘揚起到了不可替代的推動作用。奈何，現代人急行向前，注重科學技術帶來的生活便利，卻忽略了傳統音樂文化在我國文明史發展中所占據的重要地位。因此，我們應當結合我國的實際國情，將我國的傳統古典音樂在不斷發展中繼續弘揚下去，薪火相傳，讓更多的人對于我國傳統的古典音樂有所認識，加深文化認同感，讓他們能夠通過音樂了解到我國各個民族特有風土人情，了解我國文明的發展與進步，促使華夏大地的悠久歷史不斷續寫新的輝煌。“江上調玉琴，一弦清一心。”的確，音樂是辛勤勞動的褒獎，是緩解壓力的良方，是情感宣泄的出口。真正的音樂擁有屬于它自身的靈魂，而經時間沉淀下來的傳統音樂，暗淡了刀光劍影，遠去了簫鼓箏鳴，走出了發黃的線裝書，走向了永恒，它們是祖先給后世的瑰寶。加強對我國傳統古典音樂的研究與傳承，不但是我們研究歷史的重要依據，也是我們炎黃子孫應盡的責任與義務。

二、我國古典音樂所處的地位和現狀分析

現如今，音樂在我們的日常生活中無處不在，然而現代人大多趨向于流行音樂，以此來緩解緊繃的神經。雖然流行音樂在一段時間內會引起很多人的共鳴，但是時過境遷后，這樣的音樂會漸漸淡出人們的生活，影響力會逐漸69下降，經不起時間的推敲和歷史的打磨。對于我國的傳統古典音樂而言，它們從五千年的歷史長河中滾滾而來，經歷了無數次挫折和磨難，最后走進了我們的視野，它們的持久度是毋庸置疑的。它們作為我國的優秀傳統文化的一部分，應該被我們傳承和弘揚，應該被我們銘記與感恩。然而，現實是，流行音樂大行其道，我國傳統的古典音樂在現代流行音樂和西方引進音樂的雙重夾擊中舉步維艱，傳統古典音樂幾乎不存在于人們的日常活中，現代中國青年開始不理解我國的傳統古典音樂中所隱藏的文化內涵，他們更趨近于去追逐一種時尚的音樂風格而選擇冷落我國的傳統古典音樂，這在我們日常生活中是隨處可見的。究其原因，主要有以下幾點:首先，現代人有一種從眾心理，流行音樂代表的是一種時尚與潮流，因為很多人本著不想落后于時代、想要緊跟潮流的心態而去進一步地欣賞流行音樂，從而將我國傳統的古典音樂拋之腦后，使得我國傳統的古典音樂在我國實際的社會地位有所下降，不利于我國傳統文化的傳承與發展，進一步阻礙了我國傳統文化文明的延續;其次，現代生活，人們工作壓力大、生活節奏快，因此在情緒上也需要一定的釋放，而流行音樂的出現恰恰滿足了他們想要發泄的需求，他們可以根據對一些流行音樂的簡單改編，訴說他們的內心，以達到放松精神的最終目的［2］;最后，因為對于我國傳統古典音樂認識的不足，缺乏對于傳統音樂文化的了解，使得很多人對于我國傳統的古典音樂文化存在一定的誤解，因此使得我國的傳統音樂文化在現代化的發展中很難留有一席之位。很多人對于我國傳統古典音樂的認識是對我國傳統古典音樂文化的學習應該只屬于專業音樂學習者，對于普通人來說不了解是無關緊要的一件事，因此很多人選擇了忽視對我國傳統古典音樂教育，進而造成了我國傳統古典音樂在現代社會中地位的下降［3］。針對以上人們對我國古典音樂文化認識的偏差和不足，我們提出了以下建議來改善當前所面臨的狀況。首先，要扭轉人們對于我國傳統古典音樂文化的認知偏差，使得人們了解道，對于我國古典音樂文化的了解和學習并不僅僅是針對于專業的音樂學習者，對于它的了解應該是針對于我們每一個人，我們有權利去了解一些關于我國傳統文化方面的知識，有責任和義務去使得我國五千年來所保留的古老文化一直傳承下去。只有改變人們的思想和觀念，我們才有可能去改變人們的從眾心理，才有可能改變人們在緊張忙碌的生活中只有通過一些流行音樂才可以釋放壓力的生活方式。其次，加大對于傳統音樂文化的宣傳力度，讓人們增加對我國傳統音樂的熟悉度，只有增加傳統音樂在現實生活中的曝光度，才能讓人們不斷發現和思考傳統音樂的魅力。最后，教育課程中增加對傳統音樂的重視程度，讓中國的下一解我國的傳統古典音樂中所隱藏的文化深意，增加文化認同感。只有這樣，才能提高傳統音樂文化的社會地位，推動我國文明的進步與發展。

總結

音樂的存在既看不見也摸不到，但在藝術中卻最具有抽象性地存在，并占據著重要地位。音樂既能充塞身邊而縹緲無形，又能深達人心并牽魂攝魄。中國音樂在幾千年時空流轉中，經群體的歷練，文化的整合，逐漸以其獨特的氣質、品格，在世界藝術之林占據一席之地。中華五千年沉淀的深厚，悠久、輝煌的中國音樂文化，反映出中華民族的偉大精神，折射出了中華民族的情感、意志、力量、夢想和追求。我們說，只有了解了中國音樂，才能了解中國的藝術精神;只有了解了中國音樂與中國傳統文化的關系，才能真正了解中國音樂文化的精髓與內涵，因此音樂教育對于我國傳統文化的發展起著推動和弘揚作用。將傳統音樂教育滲入到我國傳統文化的弘揚過程中，能夠使得人們在放松心情的同時也能從中體會到一個國家在一定時期的社會風氣以及各個民族的風土人情。這一舉措，有助于促進我國民族傳統文化教育的實施，從而實現在教育中培養了學生的民族審美觀，增強了民族意識和民族精神的目標，進一步挖掘了我國傳統音樂的內涵，拓展了我國傳統的音樂文化在現代社會的深遠意義。

［參考文獻］

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［7］張穎，史曉光．試論音樂教育中如何弘揚我國傳統文化的理論［J］．北方音樂，2016，36(15):130．

篇5

一

在西方，“藝術音樂”一詞習慣上指用較復雜的結構和一定的創作理論創作(書寫)音樂的傳統以及與民間音樂(folk music)、流行音樂(popular music)相對而言的一種音樂類型。CI，這類音樂的特征是注重形式風格和創作技術的復雜，與通俗音樂相比，聽眾要完全領會需要花費更大的努力。pl藝術音樂也稱嚴肅音樂(serious music)或博學音樂(erudite music)，主要指西方歷史上的古典音樂(classical music)，同時也包括現當代的電子藝術音樂(electronic artmusic)、實驗藝術音樂(experimental art music)和極簡抽象派藝術音樂(minimalist music)以及“一些更具挑戰性的爵士、搖滾音樂類型，”C3，但不包括通常被認為是通俗音樂的形式。盡管有某些作品處于藝術音樂和通俗音樂二者邊界或者被包括在兩種類型中，但是它們通常不同；C4I同樣盡管有某些類型的作品處于藝術音樂和傳統民間音樂之間，但是藝術音樂被認為和傳統民間音樂不同。

在國內，“藝術音樂’一詞的使用與西方一樣，主要指一種音樂類型或音樂模式。主要出現在以下學者的文論中。田耀農在《民族音樂與藝術音樂的最后分野》16I一文中認為，“藝術音樂指的是人類以聲音為物質材料所進行的充滿激情與活力的創造性勞動，是按照美的規律創造表達自身感受的聲音世界的實踐活動”，“井認為這種音樂開始出現于歐洲]2世紀，但一直到巴羅克時期才開始“真正獲得和繪畫、文學等其他藝術形式相等的位置”，即“]600年。以佩里(]561一]633)作曲的歌劇《尤麗狄西》的正式演出為標志，開始了藝術音樂的新時代，在經歷了巴羅克]50年的積累之后，]9世紀上半葉逐漸形成了以維也納古典樂派作曲家的個人創作作品為典范’的藝術音樂模式，這里作者在強調藝術音樂在歐洲]9世紀上半葉以前的歷史演變的同時，也指出了藝術音樂的“按照美的規律創造”、“非功利性”、“供人賞聽”等特征。作者進一步認為，藝術音樂是一種音樂的思維和行為模式，當“藝術音樂的思維和行為模式確立后，如同現代教育模式和科學技術一樣，迅速傳遍了世界各個民族或地區，就像沒有必要把大學、汽車稱作西方大學、西方汽車一樣，也沒有必要把藝術音樂的這種音樂模式稱為‘西方音樂”。顯然。作者所謂的藝術音樂主要指一種音樂文化模式。

楊燕迪在《音樂的“現代性”轉型“現代性”在20世紀前期中西音樂文化中的體現及其反思》一文中談到西方音樂的“現代性’轉型時指出，“隨著現代工業文明和城市文化在20世紀的不斷成熟，音樂的品種開始明確分化為彼此有別但又相互依存的三大種類：藝術音樂、民間音樂和流行音樂。……藝術音樂以專業作曲家的創作為中心，著力于具有深刻人文思想內涵和嚴肅審美意趣的開掘，在音樂表現上講究創新意識和個性追求。但其嚴重的危機在于，其明確的社會功能趨于減弱，對社會的文化影響力趨于衰微。另一方面，聽眾與新創作之間缺乏溝通和交流，趣味趨向保守，由此造成日常音樂生活中傳統的保留曲(劇)目占據支配地位。”這里作者所指的“藝術音樂”也是一種與民間音樂、流行音樂相對的音樂類型，是產生于西方近代以來的“以專業作曲家的創作為中心，著力于具有深刻人文思想內涵和嚴肅審美意趣的開掘，在音樂表現上講究創新意識和個性追求’的音樂類型。

張伯瑜在《中西音樂關系討論中概念與內涵的錯位》一文中認為“專業藝術音樂作為一種眾多個體創作的結果主要體現著藝術與技術的結合，滿足的是社會審美的需求”。這里作者在“藝術音樂’前加了“專業”二字，從名稱上就突出其“專業’特征。作者認為，這種音樂產生于西方，即它的“中心’在西方，但在它的影響下，世界其他地區也都有了專業藝術音樂，“可以說，西方專業藝術音樂已成為人類所共有的財產，成為各國音樂文化的一部分。廣泛一點說，已經是世界的了。……西方的專業藝術音樂承載著人類共有的審美因素，被世界各國人們所接受，成為了人類的共有財產，另一方面，世界選擇西方專業藝術音樂時除了全盤引進，常常予以民族精神和民族音樂因素的注入。至此，它還是西方的嗎?源于西方的專業藝術音樂承載著人類的共性因素，以同一種語言傳遞著不同的話語。”這里作者也是基于三大音樂類型而言的，和田耀農一樣，更加強調了藝術音樂思維模式的普適性，

在其它一些論文中出現“藝術音樂’一詞時，也有一定的所指。如杜亞雄在《數字“三”在西方藝術音樂中的象征意義》l’l中稱“本文中的‘西方藝術音樂’是指由歐美國家專業作曲家創作的音樂，和西方國家中狹義的‘音樂學’(MusIc00。gy)調研的范圍相一致”；高士杰在《基督教精神與西方藝術音樂傳統》rTo，中的“藝術音樂’概念也是指從格里高利圣詠發展而來的由專業作曲家創作的音樂；古宗智在《“藝術音樂”的傳播者一姜筑》IIIl一文中說”藝術音樂’指受過專門訓練的專業作曲家創作的作品，這個概念的科學內涵雖不那么縝密，但其外延指向約定俗成，故襲用之。’等等。

以上可看出，“藝術音樂”一詞在國內外的使用中雖有表述和范疇的不同，但主要指與民間音樂、流行音樂相對的一種音樂類型及其文化模式，這類音樂的主要特征是專業作曲家按照一定的理性思維模式和較復雜的理論技術創作的。這種音樂類型主要產生于。西歐]7，]9世紀，到]9世紀中葉，這種音樂的創作思維、創作手法、創作理論以及表現形式等成為一種“范式”滲透在音樂教育、音樂表演、音樂評論、音樂研究、音樂欣賞等各種音樂活動中。

二

]9世紀中葉以后，藝術音樂的范式向世界各地傳播，世界多數地區都不同程度地接受了這種音樂類型，井產生了具有本國或本地區特色的藝術音樂作品。相對而言，西歐以外的東歐、北歐和美國在]9世紀就較早地接受了這種音樂類型。112，其次是日本等現代化啟動較早的國家或地區。20世紀以后，世界多數地區隨著社會現代化的開始都已不同程度的借鑒或接受了藝術音樂的文化模式。20世紀下半葉以來，“學習西方專業藝術音樂已成為世界各國人們的選擇之一，如鋼琴是顯示受到良好音樂教育的標牌世界大多數國家的中小學音樂教育中含有西方音樂內晃鞣絞降囊衾盅г涸謔瀾綹鞴處處可見。”這種音樂類型向中國的傳人始于]9世紀末20世紀初。由于這種音樂類型的傳人沖擊了我國原有的音樂理論、創作方法、表演形式、音樂風格、音樂格局等，因而，我 國接受這種音樂文化的過程帶有曲折性。在20世紀初和20世紀末產生過兩次大規模的有關“中西音樂問題”的爭論或討論，盡管這一接受過程曲折，也無論這種接受對我國音樂文化的建設與發展是好是壞，但現實是，到2]世紀初，“中國目前有九所專業的音樂學院，有數十所大學的二級音樂學院，有上百所大學或藝術學院中的音樂系，它們構成了一個龐大的音樂教育體系。然而，這個體系無論在其形成的過程中，還是在其教學模式的設計上無不受到西方專業藝術音樂的影響。””’這在某種程度上說明我國已經接受并發展了這種音樂文化模式。

從語言學的角度看，無論是英語的“。rt music’還是漢語的“藝術音樂’，都是由兩個詞組成的短語。按照語言習慣，前面的詞是“修飾語”，它的功能是對后一部分的修飾或限制，后一部分叫“中心語”，它才是整個短語的核心，即“藝術”是用來修飾或限定“音樂”的。按照這一邏輯，“藝術音樂”，實指有藝術性的音樂，虛指藝術中的音樂。那么，何謂藝術性?一般的理解是“藝術作品通過形象反映生活、表現思想感情所達到的準確、鮮明、生動的程度以及形式、結構、表現技巧的完美的程度。0C15l作為藝術組成部分中的音樂，和繪畫、戲劇、舞蹈、雕刻等一樣，是一個概括性的泛指概念，它包括所有的音樂，只要能被認為是音樂，那就是藝術的組成部分。然而，并不是所有的藝術類型或作品都具有鮮明的藝術性，為此，一些理論家又將藝術劃分為美的藝術、流行藝術、民間藝術等幾個范疇。如英國當代藝術社會學家亞歷山大在其《藝術社會學》一書中就這樣劃分藝術。其中美的藝術中的音樂部分，正是我們前面所說的藝術音樂，包括歌劇、交響樂、室內樂等藝術性強的音樂。”盡管這樣的劃分就未必準確、令人信服，但至少說明美的藝術與民間藝術、流行藝術之間是有區別的。

三

由于藝術音樂是按照人類傳統的音樂思想、音樂理論、音樂實踐的基礎上發展起來的，并且和古代(主要是古希臘)音樂在某些方面有淵源關系，到]8世紀的“古典主義”時期，似乎達到了歷史的高峰，因而，人們又時常把藝術音樂稱為‘古典音樂”。但是“古典音樂”一詞是“泛指過去時代具有典范意義或代表性的音樂(不包括民間音樂)。有時專指西方資產階級上升時期的音樂，特別是維也納古典樂派的音樂或師法于該樂派的音樂。亦常用作現代派音樂或爵士音樂的對稱。”’l“古典”一詞所強調的是兩個層面：“古”是指與“今”相對的時間概念；“典”指一種標準或法則。按照這一含義，“古典音樂”的基本含義應是古代流傳下來的在一定時期認為正宗或典范的音樂。應該說，這種音樂多數民族或國家都有，這一含義中的“古”字又把今天的具有古典特征的音樂排除在外了。因而，在漢語范圍內，用“古典音樂”一詞來稱謂藝術型和審美型音樂時并不能簡明涵蓋其本質特征。

由于藝術音樂主要形成于西歐社會轉型期，這時期產生了許多影響人類歷史進程的文化運動和思想潮流，如“文藝復興’、“人文主義”、“啟蒙運動”、“理性主義’、“古典主義”等。在這些文化運動和思想潮流的影響下，當時的文學藝術都力求反映和表現這種“時代精神’一一人類的精神、文化、思想，社會的進步與發展等。當時的藝術音樂在題材內容上也具有嚴肅性、思想性和社會性等特點，所以，人們時常把藝術音樂又稱為“嚴肅音樂”。但是，“嚴肅音樂’一般是從題材內容的角度對音樂所作的一個分類概念或術語。它是相對于娛樂性質的音樂而言的“泛指題材內容嚴肅、藝術形式嚴謹、在較大程度上具有認識、教育和審美意義的音樂。”這一概念強調的是音樂題材內容的嚴肅性與社會性，“諸如頌揚民族的光輝歷史，贊美祖國的壯麗河山，謳歌崇高的革命理想。描寫被壓迫人民的苦難，傾訴個人的不幸遭遇等，均屬嚴肅音樂表達的范疇。”但并不突出音樂的藝術性和審美性。因而，在這一概念下，“不僅包括眾多的音樂體裁，如交響曲、康塔塔、清唱劇、歌劇、舞劇、室內樂，也包括大量的民間歌曲，如勞動號子、敘事歌曲、史詩；同時包括與政治、宗教有關的典禮儀式音樂、軍樂、革命歌曲、宗教音樂等。叩‘，盡管藝術音樂中的多數作品在題材內容上具有嚴肅性和社會性的特點，但是，題材內容的嚴肅性和社會性只是藝術音樂的部分“靈魂”，而不是全部。藝術音樂及其理論與形式之所以能向世界各地流傳，既有題材內容嚴肅性的因素，但更重要的是藝術音樂具有強烈的藝術性與普適的審美性及創作和表現藝術音樂的普適的理論與各種形式。此外，題材內容嚴肅的音樂在世界各地區和各個歷史時期都有。因而，用“嚴肅音樂”來指稱藝術音樂時，也不能準確涵蓋其基本特征。

篇6

    一、古典音樂的演奏藝術風格

    “古典”一詞,源自古羅馬上層階級使用的拉丁語,原為諧調、高雅、持久、典范,即奉古希臘時代的藝術和文學為典范而加以模仿的意思。但就“古典”一詞在音樂中的使用,又有它本身不同的解釋:(1)人們常把嚴肅音樂或藝術音樂——包括屬于不同時期、不同風格,如:巴赫、貝多芬、柴科夫斯基以至于斯特拉文斯基的作品統一稱為古典音樂,以別于通俗音樂。(2)我們從狹義上解釋,也就是我們在這里要講的古典主義音樂——專指維也納古典樂派,即海頓、莫扎特、貝多芬三位大師及其同時代音樂家的成就為中心的時期。

    交響曲作為古典音樂的一種演奏形式,即作為雙排鍵電子琴的一種演奏藝術風格。它是一種由大型管弦樂隊演奏的奏鳴套曲。源于17世紀意大利的歌劇序曲,但比序曲要宏大得多。維也納古典樂派定型為四樂章的結構形式。它以四個樂章為常見的“管弦樂隊演奏的奏鳴曲”此時已進入了輝煌的階段,占據了古典樂器音樂的中心位置,其規模和意義得以迅速的發展。

    交響曲作為雙排鍵電子琴的一種演奏藝術風格。它一般都是由大型管弦樂隊演奏的。由于電子技術的飛速發展,有了我們今天所謂的“一人樂團”——雙排鍵電子琴,它完全可以代替一個管弦樂隊。

    我們在雙排鍵上演奏《第五“命運”交響曲》,不但要演奏出古典音樂的藝術風格,還要通過演奏體現出雙排鍵的演奏技藝。我們在演奏時,一定要運用我們配器的知識,合理的編配它的音色,這部交響曲主要運用了弦樂組和銅管樂組。在這里用了大量的弦樂,而弦樂組作為樂隊的基礎。從演奏技巧上看,它的技術性比較高,而且技巧多樣靈活,無論是歌唱性的旋律,還是各種經過句、華彩、音階、副旋律等均可勝任,并獲得良好的印象效果。

    再說管弦樂組又分為木管組和銅管組。在《命運》里主要采用了銅管組的圓號,主部擴展開來,一聲圓號的召喚作為連接,引出副部主題,體現了它英雄的性格。銅管組沒有弦樂組的技巧靈活,但是它可以使樂隊奏強奏、全奏的音響豐滿而有力,渾厚而強硬。而弱奏時則異常甜美、圓潤、柔和。我們在模仿管樂時,為了在音響效果上更微妙,要注意它們的演奏時要受到呼吸延持力的限制,所以在演奏中總要有些停頓,因為它們要換氣。

    盡管雙排鍵電子琴是我們現代高科技發展而來得,但是為了在音響效果上更微妙,我們必須要彌補雙排鍵的不足。

    二、現代音樂的演奏藝術風格

    與傳統和古典的西方現代音樂相比,西方現代音樂無論是在創作風格上還是創作技法上,都發生了許多親的變化和創新。20世紀西方現代音樂的復雜而豐富對傳統總體上的背離和新的創作技法,創作視野的開拓。

    雙排鍵電子琴的演奏風格也逐步的運用了一些現代音樂中的爵士音樂的音素。爵士樂是19世紀末和20世紀初起源于美國新奧爾良的一種流行音樂。雙排鍵本身性能的決定很適合于表現具有較強節奏性、結構嚴密的、重復性較強的音樂語匯,這恰恰是流行音樂的強項。爵士作為一種流行音樂的演奏藝術風格,它的形成與發展與美國黑人民間音樂、非洲音樂、歐洲音樂等息息相關。

    日本的洼田宏先生對雙排鍵電子琴的演奏的研究,創作了《Break Down》、《Road Star》、《I’II Always Be》等很多現代音樂藝術風格的作品。在作品中,很多融入了爵士樂和搖滾音樂等風格,頗受大家的贊賞。

    其中,《Road Star》最能體現了現代流行樂的風格特點。在音色聲,大量運用了電貝司、電吉他等電聲樂器以及一些用電聲樂器合成的合成音色。在演奏風格上,即采用了爵士樂的音型,又能感覺到搖滾樂的痕跡。在音響效果上,為了達到真正電聲樂隊的效果,在演奏技巧上運用了觸鍵音、滑音、顫音、觸鍵顫音等。

    在雙排鍵上,觸鍵音是要在一種樂器音的音量或音質整體上更豐富地,或者是說纖細的發揮表現力的一種效果,也可以說是樂器表現的靈魂般重要的機能之一,把這項功能有效的使用,就能夠實現各個樂器所特有的微妙表達。

    而顫音會使音色顫抖而給人溫柔的聯想,可以設定在每個音群。

    觸鍵顫音啟動后,在演奏中因用力的按鍵而產生顫音效果,越用力的按鍵盤,顫音就會更深。

    滑音(僅限于主導音色)可在圓滑奏法的音色上添加滑音,可在一個八度音程的范圍內對主導音群起作用。

篇7

關鍵詞:音樂欣賞 現代音樂

音樂欣賞是人類所特有的一種審美實踐活動。確切地說,音樂欣賞指的是人們運用聽覺去聆聽音樂、運用心靈去感受音樂并從音樂中獲得了審美享受的實踐活動。

然而從當前專業音樂欣賞課程的教學實際和教材編排的情況來看,一個十分明顯的特點就是西方古典音樂的欣賞曲目比例偏多,而現代音樂的欣賞曲目比例過低,造成了學生音樂欣賞知識結構和審美體驗的不平衡、不完善,歷史經典和舊傳統與當代名作和新觀念之間出現了斷裂和分離。由于對現代音樂作品了解和欣賞的少,以至于學生在面對這類作品的時候出現了暈眩和困惑的感覺,在體驗的同時卻不能理解。

事實上,我們生活在當代的世界中,無時無刻不在以某種方式遭遇著現代文化,包括音樂文化。現代音樂作品本身是一個現實的存在,不論我們喜歡與否,都應該正視它的存在,感受它的音響形式并了解它的表現內涵,所以現代音樂的欣賞對于音樂學習者來說是有著現實的必要性的。

由于許多現代音樂作品本身的審美價值涵量相對于古典音樂來說大大降低,所以許多的音樂欣賞者在面對現代音樂時或是采取了慎重的回避態度――袖耳旁觀;或是采取了極端的批判態度――徹底否定。這些做法實際上都是拒絕進入現代音樂世界的表現,而那些愿意進入現代音樂世界的欣賞者也因欣賞方式的不得當而未能深入體驗和理解作品。所以本文在對現代音樂欣賞方式這個問題上嘗試提出一套具體可行的關于現代音樂欣賞的操作方式,以期為現代音樂欣賞的教學提供一套程式化操作的方法。

一、首先是欣賞主體的積極介入。因為在現代音樂的欣賞過程中,欣賞者進入音樂作品的世界(包括音響世界和音樂世界)極易發生極大的困難,究其原因,主要是因為現代音樂的音響形態和音樂理念異于傳統,在人們審美的耳朵習慣了古典音樂的感覺之后,現代音樂往往在音響形式上給人以怪異、荒誕的感覺,讓人無從去捉摸潛藏在這些毫無美感的音響形式下的作品的深度表現理念,由此而產生的聽覺排斥也就成為了現代音樂欣賞所面臨的一個主要問題。所以對于現代音樂欣賞者而言,欣賞者首先要排除主觀成見,將現代音樂作為一種現實存在的文化現象去感受,這種感性的體驗將形成一種初步的認識,為爾后的音樂理解奠定必要的感性體驗的基礎。

需要進行說明的是,在面對現代音樂作品充分敞開聽覺的同時,還要融合豐富的想象力于其中,通過充分的情感體驗其探求音樂的意義。想象力是藝術實踐活動所必不可少的一個重要因素,對于音樂欣賞來說同樣如此,其重要性不低于音樂創作和音樂表演,只有在音響感知的直覺基礎上充分發揮想象力,才能夠在把握音樂作品的音響形式的基礎上去推論出音樂作品的意義。

二、對于有關現代音樂的一些背景知識的了解也是充分理解作品的有效手段。對于這些背景知識的把握應該有以下的三個方面:

第一,基于社會環境方面的時代特征的感受。二十世紀以來的現代音樂作品之所以會和之前的傳統音樂相比有著巨大的差異(包括形態差異和表現內容的差異),歸根到底是因為二十世紀人類的社會生存環境的影響所致。

二十世紀是人類文明高度發展的世紀,同時也是人類歷史上產生最大災難的世紀,這樣也就導致了作曲家的創作理念發生了根本的變化,音樂作品的創作成為了表達某種觀念、思想甚至于哲學的載體,這樣,作曲家不再關注音響的審美價值涵量,而專注于音樂意義的理性價值涵量,同時充分擴大音樂音響的區域范圍,做出了一種音響形式新奇、音樂表現深奧的作品,由此也直接導致了聽眾的缺失。另一方面,二十世紀經歷了兩次世界大戰和多次的地區局部戰爭。這些戰爭對于人類的物質文明和精神文明的毀滅性破壞是以往人類歷史上的任何戰爭都無法比擬的。這一切都必將反映到藝術創作中,比如勛伯格的《一個華沙的幸運者》和諾諾的《飄零之歌》這類的作品,若沒有對于時代特征的認識與感受是很難理解它們的。

第二,基于形式層面對于作曲家創作技法的了解。我們知道,現代作曲技術的出現本身是和作曲家新的表現意圖聯系在一起的,作曲家往往在表現要求上異于傳統,如表現人的潛意識心理,如勛伯格的《期待》;表現一種災難所帶來的人的精神扭曲;如潘德雷茨基的《廣島受難者的哀歌》。諸如此類新的表現要求必然導致對于傳統作曲技法手段的更新。20世紀的許多作曲家都自有一套獨特的音響結構方式,在現代音樂的欣賞過程中,需要對這些作曲技法做一些初步的了解,以理性的方式去從形式層面解讀音樂作品。20世紀的新音樂已經成為了一種“專家音樂”,作曲技術層面的選擇趨于高度的理性化,作品的音響結構體系本身就可能在表達著某種智慧。所以欣賞現代音樂也要從了解作品的外部形式結構入手,比如對中國作曲家趙曉生的《太極》這一秩序井然的音響世界的欣賞和理解必須要從作曲技術層面做起。

第三,基于內容層面的對作曲家音樂創作的美學思想的把握。這一點是進入現代音樂欣賞最為重要的一步,因為作曲家所創作出的作品本身就是某種音樂表現思想的結果。

古典音樂的審美意識是以觀審美好、美妙、美麗來進行的,它要求音樂作品的旋律符合人們歌唱聲調的純性美,節奏充滿著律動感,曲式結構原則表現為對稱、均衡,一切表現都反映為美好的,如:愛情、親情、和平、歌頌英雄之類的主題常出現古典音樂的作品中。總之,古典音樂把哲理性與抒情性的統一,協調發展到了一種最為完美的境界。

而現代音樂是傳統的古典音樂發展到現代的一種必然。從審美的角度來說,現代音樂不再著力表現美,而是著力去表現丑、戰爭、災難等一些反方面的價值和事物。它了傳統古典音樂的旋律、節奏和曲式諸原則,以噪音取代樂音,以聲響代替音響,以理性取代感性,

中國當代作曲家賈達群教授認為,音樂的作用有兩個方面,及承載情感和表達智慧。如果說古典音樂更多的是將音樂用于承載情感的話,那么現代音樂則更多的在表達著作曲家的智慧,這樣一種事實說明,現代音樂與古典音樂在審美意識上存在著必然的差異。

三、以前面的論述可以看出,現代音樂欣賞的方式是異于傳統的,要想真正地進入現代音樂欣賞,在音響體驗中理解作品,需要對以上所談到的時代特質、時代方法、音樂美學進行有效的把握,在了解具體作品的基礎上投入充分的聽覺體驗,這樣才能夠較為全面地把握現代音樂作品,由此推之,現代音樂的欣賞需要付出必要的理性投入和充分的感性關切,因為現代音樂并不美,不能以一種自然的方式引起人的欣賞欲望.所以以上的欣賞方式也就是十分必要的。

參考文獻:

[1]《音樂美學基礎》[M]張前、王次葜人民音樂出版社1992年5月第1版

[2]《探索與狂熱――現代西方音樂藝術》[M]莊署著 東方出版社中心2000年10月第1版

篇8

[關鍵詞] 電影音樂;審美;定位;多元化

音樂是用神奇的音符在時間的鏈條上展現的藝術,它通過有組織的樂音產生的藝術形象,變現人們的思想感情,反映社會現實生活,是人類靈魂的語言。音樂在感情上的概括力是任何藝術所不及的。在語言無法表達的時候,音樂卻能夠生動地進行表達,這就是音樂的獨特魅力。電影中的音樂是整體的一個組成部分,是構成電影文化背景的一部分。具有一定的獨立性,融入影片的整體視聽構思中,與視覺元素相結合,一同產生功能。電影音樂可以突出影片主題,成為影片風格化的主要手段之一。電影音樂在影片中通常不會連續不間斷地出現,而是要根據劇情的發展,在劇情需要的情況下出現,起到抒感、增強影片的感染力、深化作品內涵、渲染氣氛、升華主題等一系列作用。音樂使一部電影具有整體感,這有助于把一部影片同其他電影區分開來,從而加深了受眾的印象。除此之外,音樂能夠積極地塑造敘事的氣氛,更準確地說,向觀眾指示出某一特定場景應該怎樣理解和體驗。電影音樂的審美定位也為引發廣大受眾的審美思維起到誘導定位作用。音樂是有節奏、有旋律的運動,是一種時間上的、有含義的連續,這種運動不僅作用于受眾的審美感覺器官,促使受眾去注意它,還對我們在同一時間內得到的一切其他印象產生影響。

一、古典音樂的審美魅力

電影音樂的審美定位也為引發廣大受眾的審美思維起到誘導定位作用。音樂是有節奏、有旋律的運動,潛心創作更使古典音樂具有深刻的思想和內涵。它或者渲染氣氛,或者抒發人物內心情感,深化影片的主題思想,在不同的情緒氣氛中時而輝煌,時而浪漫,時而歡快,時而憂郁,亦莊亦偕,亦雅亦俗。這也是古典音樂成為幾十年電影音樂霸主的主要原因。

大家公認的當代電影音樂的“誕生篇”當屬1977年問世的劃時代的作品《星球大戰》,作曲家John采用了傳統交響樂風格,通過用獨立的主題來表現每個角色及相應設定,并將它完美地融入了這部史詩般的科技電影之中,使音樂對于整個故事的描繪能力并不遜色于那些美輪美奐的畫面,而且使音樂與畫面水融,讓音樂在突出某一角色的特定主題的同時,表現出角色之間的互動關系,引導廣大受眾用審美思維理解角色某一情境下的情緒色彩。再如,獲得1985年奧斯卡最佳原創音樂獎的電影《走出非洲》,其中古典音樂的運用使電影獲得了巨大的成功。出現在片頭、片中的主題音樂和配樂是作曲家根據莫扎特單簧管協奏曲的第二樂章主題的動機而創造的,節奏沉穩,音域寬廣,旋律優美,舒展流暢。在攝影機忠實地再現非洲遼闊壯麗的原野上,配以這段音樂,讓審美接受主體可以呼吸到生命的氣息,嗅到花草、泥土的馨香。這段主題音樂也是男主人公――丹尼斯最喜愛的音樂作品,時時伴隨著男主人公在鏡頭中出現。影片中隨著飛機的爬升和景色的變化,音樂的編織不斷變幻、愈加豐滿。當音樂中的情緒積累達到飽和狀態的時候,隨著鏡頭切換成飛機飛行在一大片白色鳥群上空的近景,主題音樂便一瀉千里,淋漓盡致地抒發了卡倫心中飽漲的澎湃激情。總之,古典音樂同影片的關系有著悠久而復雜的關聯,其中也反映了電影本身的思想內涵。

電影從肆無忌憚地使用古典音樂開始,隨著電影自身的發展,對古典音樂的運用越來越敬重。在特定情境的電影中,古典音樂所承擔的某些作用是其他音樂形式無可比擬的,因此,時至21世紀的今天,影視作品中對古典音樂的青睞仍是有增無減,讓古典音樂在影視藝術創造中發揮無窮的審美魅力。

二、現代音樂的文化涵蘊

隨著科學技術的迅猛發展,特別是電子技術的演進,在豐富音色、制造特殊效果以及作曲過程中的隨機實驗等方面具有無限空間為現代作曲家展示了最大自由度的探索和創造。1951年德國科隆廣播電臺最早制作了電子音樂,影響最大的是德國作曲家斯托克豪森的常規樂隊樂器音響效果。電子音樂運用現代電子技術,能夠任意組合影片劇情需要的現實和夢幻的音響、節奏,制作出人聲和樂器所無法比擬的音域、速度和力度等,可以形象逼真地模仿制造交響樂隊、樂器獨奏等常規樂隊樂器音響效果。流行音樂、搖滾音樂等不同風格的音樂為影視音樂的創作增添了豐富的內涵。現代音樂賦予影片靈魂。王家衛導演的《花樣年華》中誘人的弦樂與華爾茲的整體處理上將老上海““的格調刻畫得淋漓盡致,有錢男女西裝旗袍下掩蓋的空虛也被體現得溫婉綿柔,將懷舊的情緒滲透到現代大都市人荒蕪的內心世界。影片《海上鋼琴師》導演用他所擅長表現的樸實情感通過一個天才鋼琴師“1900”的海上經歷和一段段優雅而生動的鋼琴爵士樂曲表達了生命的光輝以及生命的脆弱。在油輪將要爆破的時刻,“1900”選擇了留在船上,因為“弗吉尼亞號”之外的視覺讓“1900”感到恐懼與迷茫。那一段鋼琴樂成為生命曾經燦爛的痕跡。

流行樂一般是指在社會上流行的當代人的審美思維,其風格是通俗易懂的抒情性或娛樂性較強的音樂,是一種容易被大眾接受具有時代的、永恒性價值的音樂,這無疑是贏得年青一代歡心的制勝法寶,許多影視作品都圍繞著流行音樂做文章,而且其中不乏成功之作。流行音樂多以背景音樂的形式在影視音樂的創作中占據重要的地位,發揮渲染氣氛、抒感的作用,凸顯流行音樂風格特性,縮短了與廣大觀眾的審美距離。

我國的流行音樂――電影歌曲有著優良的創作傳統,但是總是沒有上升到一定的高度,走向國際市場。20世紀50年代至80年代是我國電影音樂發展的鼎盛時期,《紅高粱》《歡樂谷》《閃閃的紅星》《地道戰》等電影歌曲曾在民間廣為流傳,而《駝鈴》《南泥灣》《誰不說俺家鄉好》等電影插曲也為人們爭相傳唱。但到了今天,我國的電影音樂已漸漸失寵,不是電影造就流行歌曲,而是電影利用流行音樂宣傳自己,其成功的例子比比皆是,如《愛情麻辣燙》,首次將如此大量的流行歌曲幾乎不加修剪地放置在電影中,貫穿幾個內容迥異的故事。1972年美國導演庫布里克拍攝的影片《帶發條的橘子》中的一個青年阿歷克對貝多芬的音樂就情有獨鐘。影片之中穿插了很多用現代音樂手法演奏貝多芬交響樂的片段,以鮮明而強烈奔放的對位手法揭示了阿歷克心理扭曲變態的根源與實質。

隨著電視在50年代的發展,電影面臨著嚴峻的考驗。傳統電影觀眾的很大一部分都留在家里看電視消遣。電影公司通過大制作和技術的革新努力引領人們從新回到電影院。但是規模宏大的歷史劇、3D電影,立體聲音響,抑或是寬熒幕立體聲電影、全景電影、深景電影等很多寬屏制作,都沒有改變電影業市場日益萎縮的局面。電影觀眾的特征正在發生著改變。電影漸漸成為年輕人的媒體,制片人也對流行樂和搖滾樂產生了濃厚的興趣,也就是年輕人和新青年文化的音樂。

搖滾樂產生于20世紀50年代的美國,主要由美國本土音樂“鄉村與西部音樂“與”節奏與布魯斯“風格發展而成。到了80年代,成為美國流行音樂的一枝獨秀,搖滾樂在發展過程中產生了很多中不同風格和形式。主要有甲殼蟲樂隊、幻覺搖滾樂、酸性搖滾樂(又稱滾石派)。此外,還有將民歌與搖滾相結合的民歌搖滾樂,拉加搖滾樂,這是一種將印度音樂融入民歌搖滾樂,體現了東西方的結合。如影片《地方英雄》一片中,講述了一個迷惑的年輕政府官員離開得克薩斯州區終止一筆在很遙遠的蘇格蘭村莊所要進行的商業交易的故事,當場景切換成西南部的城市的時候,響起的就是搖滾樂曲的旋律。20世紀80年代,“搖滾音樂”席卷我國,迅速以其特殊的歡快性與發泄性、受到了廣大青年的熱烈響應。到了90年代,我國電影人大量運用搖滾樂,嘗試用“搖滾音樂”的風格與形式來滿足新生代的情感需求。影片《頭發亂了》以強勁的節奏感與奔放的搖滾韻味以及熱烈的情緒,高質量的視聽效果使人產生耳目一新的心理體驗。整部影片體現的是西方重金屬搖滾風格。搖滾風格的音樂在電影中的應用為我國電影音樂創作帶來了一條全新之路。

三、民族音樂風格對影片內涵的詮釋

音樂是沒有國界的語言,音樂所表現出的情感是人類共通的。但是由于各國的地理環境、民族性格、語言特點、文化背景、審美標準不同,音樂語言的差異是很大的,音樂具有鮮明的民族性。

在很多電影作品中,具有民族風情的音樂的成功應用是電影作品成功的關鍵。讓我們回想一下影片《魔戒》的內容:當圣詠般的合唱和長號吹起的時候就是“預言”的來臨了。中世紀的語言唱出了神秘,還有影片這個漫長的故事。而風笛吹奏的,關于“愛好”的主題,小提琴制造著美妙的晨光,跳動的節奏必然帶動了同樣跳動的心情!銅管和急促的節奏馬上讓你回到疆夢里面,那就是“黑騎士”,出賣了靈魂換取永生的鬼魅。Howard,用合唱、長號、小提琴急促地拉弓――弦樂拉動了希望,從黑暗中飄來了ENYA清美的聲音。中國電影對于音樂的運用更具民族性,在中國幾千年的歷史中,內外兼并的風格使電影音樂在文化方面的發展也更為成熟,如影片《甲午風云》中,鄧世昌彈奏琵琶曲《十面埋伏》以宣泄心中的憤慨;《血戰臺兒莊》中,一場大戰后我方――老戰士用樹皮做了一個笛哨,并用它吹奏了一曲流行于山西、陜西一帶的民間愛情歌曲《繡荷包》,用這首樂曲,表達了他對親人的思念……

綜上所述,影視藝術作為視聽組合的綜合藝術,它的一切表現手段,包括人物、影像造型、鏡頭運動、畫面組合、光照和色彩以及音樂和音響,在創造主體高度的審美思維整合作用下,都能給受眾帶來直接的感官信息,造成對于某種社會生活或自然現象的“逼真幻覺”。其中音樂的審美作用不可或缺、不可忽視,無論是創作主體還是鑒賞主體,都應把握好影視音樂的自身特點和作用,因為影視藝術的創作既需要生動的把握現象,也需要準確地把握本質,而受眾的鑒賞,既要有情緒的感染,也離不開意蘊的領悟,這將直接關系到一部電影作品的審美價值、審美效應。這也是影視藝術實現審美意蘊、達到一種超越現實,創造人的精神陶冶的審美境界。

篇9

[關鍵詞]高雅音樂；走向大眾；形式

一、關于高雅音樂

高雅音樂現今沒有明確的定義，筆者的理解認為高雅音樂是相對爵士樂、搖滾樂、迪斯科、網絡歌曲這類通俗和流行音樂而言，特指結構完整嚴謹、主題思想明確、內涵深刻豐富、旋律優雅曼妙，可以用心靈去感應和欣賞的音樂。這類音樂能表現人類圣潔的情感和崇高的理想，有雍容華貴的，有婉約的，也有豪放的，思想深邃的佳作。它歷經歲月考驗，久盛不衰并受眾人喜愛，一般由專業的音樂演奏團體和演唱演奏者進行演繹。中西方古典音樂和一些借鑒傳統文化之精髓的現代著名電影音樂和戲劇音樂，外國作品如《歡樂頌》《卡門序曲》《多瑙河之波》等，我國的《廣陵散》、《霸王別姬》、《二泉映月》、電影《紅樓夢》插曲等作品都應屬于高雅音樂的范疇。

二、高雅音樂走向大眾的必要性

1、高雅音樂作為一門藝術面對的應是人民大眾

音樂是一門反映人類情感的藝術，高雅音樂是音樂中的精華，它集中體現了音樂文化發展的主流方向和水平。我國的文化藝術是大眾藝術，是以服務人民大眾為宗旨的。由于各種歷史原因，現實中忽視了對音樂素質的培養，使高雅音樂與大眾的審美接受能力之間存在一定的距離。許多媒體為迎合市場需要對流行音樂大肆宣傳炒作，也有許多人誤認為高雅音樂是一種高深莫測、高不可攀的藝術，使高雅音樂的傳播范圍有限，鮮有大眾的參與和欣賞。這與我國文化藝術傳播的目的是相互違背的，只有人民大眾參與和欣賞的藝術才具有強大的生命力。

2、人民大眾對高雅音樂的潛在需求

高雅音樂具有靈魂，音樂元素的多元化使其不僅蘊含了豐富的思想，同時又是生活的真實反映。它的演奏和表演時而激越時而舒緩，給人以美的享受，與流行音樂的感觀娛樂和新奇刺激形成強烈的對比。過去，高雅音樂的欣賞處于高端消費的范疇，多以音樂會、舞蹈表演的形式來進行。既妨礙了高雅音樂與廣大民眾的交流，也使高雅音樂的推廣在財力和人力物力上成本都偏高，人民大眾只能卻而止步。自從維也納新年音樂會在國內被大力推廣后，專業的高質量的音樂會前夕出現了群眾踴躍購票的場面，這說明了廣大群眾對高雅音樂是有鑒賞能力的，也存在潛在的需求。

3、高雅音樂的傳播有利于優良社會道德風尚的形成

高雅音樂的傳播是凈化社會風氣、提高人們修養、陶冶情操并促進社會良好發展的重要途徑。它用自然特殊的語言，傳播到世界各地，無論何時、無論何地，音樂作品都蘊含其自有特點和文化特色。特別是我中華民族的傳統音樂文化，博大精深，思想內涵高尚，讓其旺盛的生命力用鮮活的形式去傳承，既能放松愉悅心情，消除勞動疲勞，又能凈化人們的心靈、提高道德風尚。在商業化侵蝕一切的時代，人民大眾為需要而工作，不可能都去音樂廳欣賞古典音樂會，讓他們能貼身欣賞到精美的高雅藝術，并有機會與藝術家直接對話，這種充滿活力且卓有成效的藝術教育模式是最直接和最有效的。如中國國學推廣大使、女高音歌唱家哈輝說：“有很多經典的文化對我影響很深，如它的山水之畫，它的詩詞歌賦，還有它的高雅格調與生活方式，對我都是一種熏陶”。哈輝的“跨界古典”演唱風格得到國內外藝術團體的關注，她用研究創新的新雅樂錄制作品《禮》、《茶香》，宣揚中國優秀的禮文化與茶文化。她不遺余力地制作并推廣“新雅樂版”的《聲律啟蒙》，通過吟唱的方式讓孩子一邊從到中華傳統文化中汲取語言和心靈的養料，一邊幫助孩子們輕松記憶并感受學習的快樂，增加了教育的輻射面，傳播的是正能量。所以高雅音樂在提高人民大眾的音樂欣賞水平、藝術修養和創造和諧文明社會等方面的積極推動作用應該得到重視。

4、整體大眾音樂素養與當今經濟文化發展水平不相適應

隨著現代社會經濟的迅速發展，我國已是世界第二大經濟綜合體，音樂領域也迎來空前的繁榮和興旺。音樂作為一種審美的藝術，已成為衡量人類文明進步的重要標志。一個國家、民族的高雅音樂欣賞水平是這個國家和民族文明程度的重要標志。高雅音樂作為提高大眾道德風尚的重要要素，如不能與人民大眾共欣賞，音樂不能讓聆聽者產生心靈深處的共鳴，那就失去其作用，文藝服務于人民大眾又從何談起。音樂創作素材取之社會，是社會生活的綜合表現和升華，其最終目的應該是回饋社會，讓人民大眾得到美的享受。同時，高雅音樂對人類生存方式和文化環境的表現以及對中國優良傳統的傳承和創新的性質決定其應該面對創造這種來源的廣大人民群眾。只有人民大眾道德修養不斷得到提高，高雅音樂才能生生不息并得到廣泛的傳承。

三、高雅音樂向大眾推廣普及的形式探索

1、高雅音樂走進校園

學生群體是社會思潮、文化傳播的重要載體。目前全國各地很多地方都有“高雅音樂進校園”的活動，多以大中院校為主。筆者認為可進一步拓展至小學范圍內。小學生模仿能力最強，業余時間相對充裕，提早對他們進行高品質藝術教育，讓高雅音樂如春風化雨般地滋潤孩子們的心田，達到聞弦歌而知雅意，這對小學生豐富高雅音樂的精神文化底蘊非常有益，同時也對加強小學音樂教育和推動高雅音樂的傳播普及起到重要作用。高雅音樂普及推廣首先需要政府政策上進一步的支持。教育部門可像重視體育一樣重視美育，把它作為學生的必修課，還可通過校園廣播、音樂培訓講座、成立管弦樂和合唱隊、音樂會演出和音樂夏令營等多種形式，讓孩子們共同參與一些較簡易的音樂節目的演出，使他們認識管樂樂器，聆聽歌唱音色，近距離感知高雅音樂，真正將“高雅音樂進校園”落到實處。

2、高雅音樂進企業和農村

從五邑僑鄉演唱高雅音樂為主題的白鷺組合為企業員工和鄉村居民演出的效果來看，員工和鄉民并非對高雅音樂不感興趣，他們聽了高雅音樂也感到非常喜悅，高雅的氣息同樣吸引著他們。只不過高雅音樂屬于高消費的范疇，使其與員工和鄉民之間形成了一定的距離。事實上，高雅音樂特別是其經典歌曲的傳播有助于企業和鄉村打造高雅文化，提升企業和鄉村人員的藝術品位和文明素養，引導員工和鄉民做一個文明、時尚的人，也讓更多的外來人員了解工作所在區域深厚的文化底蘊和人文風貌。如五邑僑鄉優秀原創音樂作品《等你來》，該歌曲曲調創作過程中借鑒江門開平傳統的賣雞調，歌詞活潑有趣，生動地描述了江門五邑地區的風土人情，演出讓觀眾感受到高雅音樂的強大魅力，為文化藝術走進千家萬戶起到橋梁和紐帶作用。高雅音樂可通過公益演出、企業鄉村自組文娛團體、廠區增加播放節目等各種靈動的形式，調動企業和鄉民積極參與的自覺性。既能豐富了員工和鄉民的文化生活，又能充分體現黨和政府對廣大勞動者的關懷和愛護。

3、高雅音樂走進社區

隨著人們物質條件的逐步改善，人們的精神文化也成為生活中必不可少的需求，社區賦閑人員和老人孩子也不例外。讓高雅音樂普及到每一個角落，使高雅藝術走進平民百姓家，音樂講座、音樂表演、音樂培訓班、建立園區小舞臺都是很好的互動形式。比如演出根據著名作者巴金《鳥的天堂》創作的同名音樂作品前，先為市民介紹巴金的生平和經歷，然后講述作者寫作該作品時的背景和宗旨，配合對該名勝優美風景和百鳥齊飛的情景聯想的引導，然后再進行演出，令在場觀眾如臨其境，演出效果會更好。社區可聘請專業人士對跳廣場舞的群眾進行輔導，讓他們積極參與高雅音樂的自娛自樂活動，這種融入方式有助于提高市民欣賞高雅音樂的興趣和水平，值得大力推廣。

4、高雅音樂走進網絡、廣播和電視傳媒

隨著網絡、廣播和電視等媒體的發展，音樂藝術已走進千家萬戶，成為傳播范圍最廣泛、傳播速度最快的宣傳形式。但網絡、廣播和電視的古典音樂節目較少，媒體的音樂節目內容呈現出流行音樂化的趨勢。由政府相關部門倡導在上述媒體平臺上增加高雅音樂播放量，既有凝聚各方力量共建和諧社會的公益性質，也可讓市民感受到高雅音樂與大眾生活的緊密相聯，把高雅音樂逐步延伸到大眾生活中去，起到凈化喧鬧，帶給人們純凈享受的效果。

5、通過市場化的手段倡導大眾對高雅音樂文化的消費

高雅音樂通過市場化走向大眾，在西方已有成功的例子。西方國家在音樂商業化運作方面有著豐富的經驗，音樂作品的推廣都離不開市場經濟運行模式。英國的莎拉。布萊曼以美聲唱法為基礎，融入流行音樂的風格演唱了不少西方古典音樂作品，她協調的肢體語言和特殊的舞臺設計效果，成功地征服了所有的觀眾。布萊曼的演唱通過制作、宣傳、推廣、銷售等多種渠道，周期性地舉辦演唱會和巡演，既提升她的知名度，又使流行音樂元素成為西方古典音樂傳播的橋梁，成功地推動市場商業化的運作。我國著名男中音歌唱家廖昌永、男高音歌唱家莫華倫、通俗歌手劉歡三人在北京舉辦的高雅音樂會，融入了創新理念，運用流行音樂的編排和表演方式，在國內音樂界及廣大觀眾引起了強烈的反響和轟動。古典跨界音樂演唱家哈輝配唱主題歌的紀錄片《南宋》是浙江衛視拍攝的一部大型人文紀錄片，該紀錄片在世界各地播放，也帶有一定程度的市場推廣性質，也很受觀眾歡迎。事實證明，高雅音樂走向市場是可行的，但融入大眾樂于接受的流行元素也是必要的。這就需要在高雅音樂和流行音樂中尋找雅俗共賞的結合點，既能達到將高雅音樂向大眾普及推廣的作用，也迎合了人們對音樂審美趣味的需求，并逐步培養大眾對高雅音樂藝術的消費意識。

篇10

學生對于音樂的欣賞一般可分為三個階段。第一階段是感官認知，是大腦和耳朵等器官對聲音的直接感受。這一階段學生通常能夠辨認出音量的大小（力度的強弱）、音的高低、音色的豐富或單一等。第二階段是情感體驗。這一階段是在第一階段的基礎上產生的，是將接受到的音響信息轉化為內在情緒并予以表達的過程，學生能夠在這一階段分辨出音樂的歡快與悲傷、輕巧與笨拙、閑散與緊張、細膩與宏大等情感。第三階段是理性認識。這一階段是對音樂深入理解的過程，是在感性的基礎上用理性思維分析音樂的過程，這就需要相關音樂理論、基礎知識來幫助從整體上把握、理解音樂，使審美達到更高的境界。西方古典音樂所留下的很多作品就是這種具有人文精神、哲學思想，需要人們深刻理解的音樂。高中生通常具備高于小學生、初中生的理性思維、邏輯思維能力，對他們而言，如何使自己進入欣賞的第三階段也就是用理性思維來理解音樂，是最困難的，也是最需要完成的音樂學習任務。

一、熟練掌握和理解音樂的基本要素。使對音樂的感官認知盡快過渡到情感體驗

根據人民音樂出版社高中音樂學科教材《音樂鑒賞》中的定義，音樂的基本要素主要包括：節奏、速度、旋律、力度、調式（調性）、和聲、曲式、織體、音色，如果能夠理解并準確判斷以上這些要素，對欣賞、理解音樂能夠起到極大的幫助作用。但要求高中生完全理解這些要素不切實際，因此，我們需要結合音樂作品實例，讓學生有重點地掌握其中的一些要素。

1.音色

音色往往帶給人們最直接的聽覺沖擊，它是音樂中觸動人的感官的重要手段，同樣的旋律在不同的樂器上演奏就會產生不同的音樂形象，而很多古典作品并非以單一樂器呈現給聽眾，而是以合奏形式出現，如管弦樂、交響樂。因此，提高對音色的辨別能力，是我們欣賞古典音樂首先要解決的問題。我認為對常見管弦樂隊的介紹是必不可少的一課，常見管弦樂隊可以分成弦樂組、木管組、銅管組、打擊樂器、色彩性樂器這些組別，教師應該對它們各自的音色特點、表現方式以及在樂隊中的基本位置等知識加以介紹。

2.旋律與節奏

節奏作為音樂最根本的要素，賦予音樂多變的表現力，能讓音樂營造出不同的氛圍，而旋律是樂器表達或體現音樂形象的主要因素，是音樂的基本內容。我們需要借助一些文學作品及其它藝術，讓學生了解這些作品中的形象通過節奏和旋律是如何表現出來的。如通過欣賞斯特拉文斯基《春之祭》中的“祭獻之舞”，了解節奏是如何很好地詮釋令人窒息的死亡祭獻舞蹈場面的。教師再結合這些旋律的音色、調性等要素及在音樂發展中的關系作簡要講解，就能使學生對這些主題旋律產生一個理性的認識。

3.曲式

音樂作品的結構即曲式，它由音樂作品的內容決定，并與內容取得統一。對高中學生而言，掌握以下曲式是很有必要的：三部曲式、變奏曲式、回旋曲式和奏鳴曲式。其中三部曲式不必對單三部曲式和復三部曲式進行細化講解，學生只需掌握呈示部、展開部、再現部三個主要結構（即A—B—A’）即可。為了讓學生對這四種曲式有一個直觀的認識，必須結合具體作品進行分析講解。如可以用肖邦的《降E大調夜曲》講解“三部曲式”；變奏曲式可以用學生耳熟能詳的莫扎特《小星星》變奏曲為例，也可用舒伯特《鱒魚》鋼琴五重奏第四樂章為例；回旋曲式用貝多芬的《致愛麗絲》、莫扎特的《土耳其進行曲》、《卡門》序曲、貝多芬的《D大調小提琴協奏曲》第三樂章等為例；奏鳴曲式可以柴可夫斯基《第六（悲愴）交響曲》第一樂章、貝多芬《第五交響曲》第一樂章等為例。這些作品是非常典型、規整的實例，有些也是學生們相對熟悉的，故容易理解把握。了解了這四種基本的曲式結構，在欣賞作品時，就能初步認識作品中音樂發展的規律，了解主題發展的手法，把握作品的整體框架，從而促進對音樂作品的理解。

其他要素，例如速度、力度，學生相對容易理解和掌握，可在以上要素的學習過程中一并涉及和理解。再如調式（調性）、和聲、織體，則相對較難，按照新課標“面向全體學生”的理念，教師對其不必深入講解，能使學生在聽覺上產生初步印象即可。掌握了以上各音樂要素，學生能夠更快地進入作品，欣賞的主動性、獨立性也會隨之增加，理解音樂作品的能力也就相應地得到了提高。

二、欣賞分析單樂章作品和標題音樂，感性認識音樂的表現手法